Διάσημοι πίνακες ζωγραφικής με ζώα
Η Παγκόσμια ζωγραφική σκηνή έχει θίξει μια πολύ μεγάλη ποικιλία θεμάτων. Από αυτή δε θα μπορούσε να λείπει η συμμετοχή των αγαπημένων μας συντρόφων, των ζώων. Σημαντικοί καλλιτέχνες όπως o Leonardo da Vinci, o Albrecht Dürer, o Franz Marc, ο Monet κ.ά. απεικόνισαν τη θαυμαστή φύση των ζώων που μας περιτριγυρίζουν αλλά και των άγριων που θαυμάζουμε από μακριά.
Επιλέγουμε μερικούς από τους διασημότερους πίνακες ζωγραφικής με πρωταγωνιστές τους φίλους μας, τα ζώα!
“Whistlejacket”, George Stubbs, c. 1762, National Gallery London
To Whistlejacket είναι ένα έργο με λάδι σε καμβά από το 1762 από τον Βρετανό καλλιτέχνη George Stubbs που δείχνει το άλογο κούρσας marquess του Rockingham περίπου σε φυσικό μέγεθος. Ο καμβάς είναι μεγάλος, στερείται οποιουδήποτε άλλου περιεχομένου εκτός από μερικές διακριτικές σκιές και ο Stubbs έχει δώσει ακριβή προσοχή στις λεπτομέρειες της εμφάνισης του αλόγου. Έχει περιγραφεί στον Independent ως «παράδειγμα της άψογης ομορφιάς ενός Αραβικού καθαρόαιμου». Η οικογένεια Fitzwilliam, κληρονόμοι του άτεκνου Rockingham, διατήρησε τον πίνακα μέχρι το 1997, όταν η χρηματοδότηση από το Ταμείο Λοταρίας Κληρονομιάς επέτρεψε στην Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου να τον αποκτήσει για £ 11 εκατομμύρια. Ο Σταμπς ήταν ένας ειδικός στην απεικόνιση ιπποειδών, και όταν το 1762 προσκλήθηκε από τον Ρόκιγχαμ να περάσει «μερικούς μήνες» στο Γουέντγουορθ Γούντχαουζ στο Γιορκσάιρ, την κύρια εξοχική κατοικία του, ο Σταμπς είχε ήδη ζωγραφίσει πολλά πορτρέτα αλόγων, με και χωρίς ανθρώπινες φιγούρες, αλλά η ηρωική κλίμακα και η έλλειψη background στον πίνακα «Whistlejacket» είναι «άνευ προηγουμένου» στο έργο του. Στην πραγματικότητα οι πρόωροι καμβάδες του Stubbs περιλάμβαναν ένα ζευγάρι πολύ μικρότερων πινάκων με μια ομάδα από άλογα. Εδώ το άλογο είναι μόνο του και σε φυσική κατάσταση, γεγονός που τονίζει μια «ρομαντική μελέτη στη μοναξιά και την ελευθερία»
«Lady with an Ermine», Leonardo da Vinci, c. 1489, κάστρο του Βαβέλ της Κρακοβίας
Η Κυρία με την ερμίνα είναι ελαιογραφία σε ξύλο (54,4×40,3 cm) του Λεονάρντο Ντα Βίντσι, που χρονολογείται μεταξύ 1488 και 1490. Φυλασσόταν για χρόνια στο Μουσείο Τσαρτορύσκι της Κρακοβίας και από τον Μάιο του 2012 ο πίνακας εκτίθεται στο κάστρο του Βαβέλ της Κρακοβίας, όσο το μουσείο Τσαρτορύσκι τελεί υπό εργασίες αποκατάστασης. Η γυναίκα της προσωπογραφίας ταυτίζεται σχεδόν σίγουρα με την Τσετσίλια Γκαλλεράνι. Πρόκειται για έναν από τους πίνακες σύμβολο του εξαιρετικού καλλιτεχνικού επιπέδου στο οποίο έφτασε ο Λεονάρντο κατά την πρώτη περίοδο της διαμονής του στο Μιλάνο, μεταξύ 1482 και 1499. Το έργο, του οποίου οι συνθήκες ανάθεσης στον καλλιτέχνη είναι άγνωστες, χρονολογείται λίγο μετά το 1488, όταν ο Λουντοβίκο Σφόρτσα έλαβε από τον βασιλιά της Νάπολης τον αριστοκρατικό τίτλο του ιππότη στο Τάγμα της Ερμίνας. Η ταύτιση του πορτρέτου με τη νεαρή ερωμένη του Σφόρτσα, Τσετσίλια Γκαλλεράνι, βασίζεται στην έμμεση αναφορά που θα μπορούσε να εκπροσωπεί για ακόμα μια φορά το ζώο: η ερμίνα πράγματι, εκτός από σύμβολο αγνότητας και τιμιότητας, στα ελληνικά λέγεται και γαλή πράγμα το οποίο θα παρέπεμπε στο επώνυμο της κοπέλας. Και όπως σημείωσε και ο ίδιος ο Λεονάρντο «προτιμά να πιαστεί από τους κυνηγούς παρά να κηλιδώσει την αγνότητά της, δηλαδή τη λευκή της γούνα, προσπαθώντας να ξεφύγει από την λασπωμένη της φωλιά». Σε αυτό το έργο το πρότυπο της προσωπογραφίας του δέκατου πέμπτου αιώνα , με τη μορφή να εικονίζεται ως τη μέση και στα τρία τέταρτα, είχε ξεπεραστεί από τον Λεονάρντο, που επινόησε μια διπλή περιστροφή, με το μπούστο στραμμένο στα αριστερά και το κεφάλι στα δεξιά. Υπάρχει μια αντιστοιχία ανάμεσα στην οπτική γωνία της Τσετσίλια και της ερμίνας∙ το ζώο μοιάζει πράγματι να ταυτίζεται με την κοπέλα, εξ’ αιτίας μια λεπτής γραμμής κοινών σημείων και εξ αιτίας των βλεμμάτων τους, που είναι έντονα και την ίδια στιγμή ειλικρινή. Η λεπτή σιλουέτα της Τσετσίλια αντανακλάται αρμονικά στο ζώο. Η νεαρή αριστοκράτισσα φαίνεται στραμμένη σαν να παρακολουθεί κάποιον που έρχεται στο δωμάτιο, κα την ίδια στιγμή έχει την επίσημη αταραξία ενός αρχαίου αγάλματος. Ένα ανεπαίσθητο χαμόγελο πλανάται στα χείλη της: για να εκφράσει ένα συναίσθημα ο Λεονάρντο προτιμούσε να το υπαινίσσεται την συγκίνηση παρά να την καθιστά εμφανή.
“Dürer’s Rhinoceros”, Albrecht Dürer, 1515, National Gallery of Art, Washington
Ο Ρινόκερος είναι γνωστή ξυλογραφία του Γερμανού ζωγράφου και χαράκτη Άλμπρεχτ Ντύρερ, που χρονολογείται το 1515. Το θέμα του έργου βασίστηκε στη γραπτή περιγραφή και στο πρόχειρο σχέδιο ανώνυμου καλλιτέχνη, ενός Ινδικού ρινόκερου που είχε μεταφερθεί στη Λισαβώνα τον ίδιο χρόνο και αποτελούσε το πρώτο ζωντανό δείγμα του θηλαστικού στην Ευρώπη από τη Ρωμαϊκή εποχή. Παρά τις ανατομικές ανακρίβειες του σχεδίου, η ξυλογραφία του Ντύρερ έγινε δημοφιλής στην Ευρώπη και αναπαράχθηκε πολλές φορές στη διάρκεια των επόμενων τριών αιώνων. Θεωρήθηκε ακριβής αναπαράσταση ενός ρινόκερου μέχρι τα τέλη του 18ου αιώνα, όταν εκτοπίστηκε από νεότερες, πιο ακριβείς και λεπτομερέστερες αναπαραστάσεις. Έχει χαρακτηριστεί ως η «εικόνα ζώου με τη μεγαλύτερη επίδραση στις τέχνες».
“The Yellow Cow”, Franz Marc, 1911, Solomon R. Guggenheim Museum, New York
Η Κίτρινη Αγελάδα (Γερμανικά: Gelbe Kuh) είναι ένας πίνακας του Γερμανού καλλιτέχνη Franz Marc, που χρονολογείται από το 1911. Είναι ένα από τα πιο γνωστά έργα του καλλιτέχνη και είναι μία από τις πολλές απεικονίσεις ζώων σε εξπρεσιονιστικό στυλ. Αυτό το έργο είναι λάδι σε καμβά και μετρά 140,5 x 189,2 εκατοστά. Το κεντρικό μοτίβο της ζωγραφικής είναι μια αγελάδα που χοροπηδάει, ενώ περιβάλλεται από ένα ζωηρόχρωμο τοπίο. Η ζωγραφική χαρακτηρίζεται από την αντίθεση μεταξύ του δυναμικού κεντρικού μοτίβου και του ήρεμου φόντου. Ο πίνακας βρίσκεται στη συλλογή του Ιδρύματος Solomon R. Guggenheim και έχει παρουσιαστεί στο Μουσείο Solomon R. Guggenheim στη Νέα Υόρκη. Η Κίτρινη Αγελάδα χρονολογείται στη διαμορφωτική φάση του Marc, κατά τη διάρκεια της οποίας ανέπτυξε το Farbsymbolik (χρωματικός συμβολισμός) που διαπερνά τον πίνακα. Για τον Marc, το μπλε εξισώθηκε με την πνευματικότητα και την αρρενωπότητα, το κίτρινο με τη θηλυκότητα και τον αισθησιασμό και το κόκκινο με τη γη. Συνεπώς, τα χρώματα του πίνακα δεν πρέπει να θεωρούνται νατουραλιστικά, αλλά μάλλον συμβολικά που αντιπροσωπεύουν την αίσθηση των αντικειμένων στο έργο. Η χρήση του χρώματος του Marc (σε αυτό το έργο και σε άλλα) επηρεάστηκε σε μεγάλο βαθμό από τον Ρώσο ζωγράφο Wassily Kandinsky. Σύμφωνα με τον ιστορικό τέχνης Mark Rosenthal, η Κίτρινη Αγελάδα μπορεί να θεωρηθεί ως μια καμουφλαρισμένη απεικόνιση της συζύγου του Marc, Maria Franck, την οποία παντρεύτηκε την ίδια χρονιά που δημιουργήθηκε ο πίνακας.
“Les Dindons”, Claude Monet, 1877, Musée d’ Orsay, Paris
Το Les Dindons είναι ένας πίνακας του Κλοντ Μονέ που φιλοτεχνήθηκε το 1877. Φυλάσσεται στο Μουσέ ντ’ Ορσέ. Ο καμβάς είναι μέρος ενός συνόλου έργων ζωγραφικής του Μονέ που ζωγράφισε το 1877 κατά τη διάρκεια της παραμονής του στο Montgeron, στο σπίτι του Ernest Hoschédé. Ωστόσο, χρεοκόπησε και έπρεπε να παραδώσει τους πίνακες μέσα στον επόμενο χρόνο. Ήταν επίσης κατά τη διάρκεια αυτής της παραμονής που ο Μονέ γνώρισε τη δεύτερη σύζυγό του Αλίκη. Παντρεύτηκαν στις 16 Ιουλίου 1892, μετά τους θανάτους του Έρνεστ και της Καμίλ Ντονσιέ, της πρώτης συζύγου του Μονέ. Ο πίνακας είναι ζωγραφισμένος από το κάτω μέρος του πάρκου του κάστρου του Ροτέμμπουργκ, ιδιοκτησίας του Ernest Hoschédé. Μπορείτε να δείτε το τεράστιο γκαζόν του πάρκου, ανάμεσα σε μερικές γαλοπούλες, μία από τις οποίες έχει το λαιμό κομμένο από το πλαίσιο. Η σύνθεση κλείνει με το δάσος που συνορεύει με το γκαζόν και στο κάτω μέρος με την πρόσοψη του κάστρου.
“Tiger in a Tropical Storm (Surprised!)”, Henri Rousseau, 1891, National Gallery, London
“Τίγρης σε τροπική καταιγίδα ή έκπληκτος!” είναι μια ζωγραφιά του 1891 από τον Henri Rousseau. Ήταν ο πρώτος από τους πίνακες της ζούγκλας για τον οποίο ο καλλιτέχνης έγινε κυρίως γνωστός. Δείχνει μια τίγρη, φωτισμένη από μια αστραπή, να ετοιμάζεται να ορμήσει στο θήραμά της στη μέση μιας μαινόμενης θύελλας. Ανίκανος να δεχτεί την κριτική της επιτροπή του Académie de peinture et de sculpture, ή της Ακαδημίας Ζωγραφικής και Γλυπτικής, ο Ρουσσώ εξέθεσε την Τίγρη σε μια Τροπική Καταιγίδα το 1891 με τον τίτλο Surpris!, στο Salon des Indépendants, το οποίο ήταν ανεξερεύνητο και ανοιχτό σε όλους τους καλλιτέχνες. Ο πίνακας έλαβε μικτές κριτικές. Ο Rousseau ήταν ένας καθυστερημένος σχεδιαστής: το πρώτο του γνωστό έργο, Landscape with a Windmill, το έκανε στα 35 του, και το έργο του χαρακτηρίζεται από μια αφέλεια σύνθεσης που διαψεύδει την τεχνική του πολυπλοκότητα. Οι περισσότεροι κριτικοί χλεύασαν το έργο του Rousseau ως παιδιάστικο, αλλά ο Félix Vallotton, ένας νεαρός Ελβετός ζωγράφος που αργότερα επρόκειτο να είναι μια σημαντική προσωπικότητα στην ανάπτυξη της σύγχρονης κριτικής, είπε γι’ αυτό: «Η τίγρη του, που εκπλήσσει το θήραμά της είναι ένα «must-see» – είναι το άλφα και το ωμέγα της ζωγραφικής και τόσο ανησυχητικό που, παρά τις τόσες ικανότητες και την παιδιάστικη αφέλεια, οι πιο βαθιά ριζωμένες πεποιθήσεις καθυστερούν να φανούν και αμφισβητούνται.» Το έργο του συνέχισε να χλευάζεται από τους κριτικούς μέχρι και μετά το θάνατό του το 1910, αλλά κέρδισε μια θέση μεταξύ των συγχρόνων του: Ο Πικάσο, ο Ματίς και ο Ανρί ντε Τουλούζ-Λωτρέκ ήταν όλοι θαυμαστές του έργου του. Γύρω στο 1908, ο έμπορος τέχνης Ambroise Vollard αγόρασε έκπληκτος! και δύο άλλα έργα από τον Ρουσό, ο οποίος τα πουλούσε σε υψηλότερη τιμή από τα 190 φράγκα που τελικά έλαβε. Ο πίνακας αγοράστηκε αργότερα από την εθνική πινακοθήκη του Λονδίνου το 1972 με τη συμβολή του δισεκατομμυριούχου φιλάνθρωπου Walter H. Annenberg.
“Still life with three puppies”, Paul Gauguin, 1888, MOMA
Αυτός ο πίνακας διαθέτει τρεις ξεχωριστές ζώνες: μια νεκρή φύση φρούτων στο προσκήνιο, μια σειρά από τρία μπλε ποτήρια και μήλα διαγώνια που διχοτομούν τον καμβά και τρία κουτάβια που πίνουν από ένα μεγάλο τηγάνι. Η ασύμβατη κλίμακα και η τοποθέτηση αυτών των αντικειμένων σε μια δραματικά αναποδογυρισμένη επιφάνεια τραπεζιού έχει ως αποτέλεσμα μια αποπροσανατολιστική σύνθεση. Όταν ο Gauguin ζωγράφισε το «Νεκρή φύση με τρία κουτάβια», ζούσε στη Βρετάνη ανάμεσα σε μια ομάδα πειραματικών ζωγράφων, συμπεριλαμβανομένου του Emile Bernard. Εγκατέλειψε τις νατουραλιστικές απεικονίσεις και τα χρώματα, δηλώνοντας ότι «η τέχνη είναι μια αφαίρεση» που πρέπει να προέρχεται «από τη φύση ενώ ονειρεύεται μπροστά της». Τα σώματα των κουταβιών, για παράδειγμα, περιγράφονται με έντονο μπλε χρώμα και το μοτίβο των παλτών τους αντικατοπτρίζει τη βοτανική εκτύπωση του τραπεζομάντιλου. Πιστεύεται ότι ο Gauguin άντλησε στυλιστική έμπνευση για αυτόν τον πίνακα από ιαπωνικές εκτυπώσεις, οι οποίες του παρουσιάστηκαν από τον φίλο και συνάδελφο καλλιτέχνη Vincent van Gogh την ίδια χρονιά, και από εικονογραφήσεις παιδικών βιβλίων.
