20 Διάσημα Γλυπτά όλων των εποχών

Έργα γλυπτικής είναι απλωμένα σε όλη τη Νέα Υόρκη, από αγάλματα στο Σέντραλ Παρκ σε δημόσια έργα τέχνης σε μουσεία όπως το Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, το Guggenheim και το MoMA. Αλλά για να εκτιμήσετε πραγματικά το έργο, ​​βοηθά να γνωρίζετε λίγα για την ιστορία του. Για το σκοπό αυτό, δημιουργήσαμε αυτό το εύχρηστο οδηγό που ακολουθεί κορυφαία διάσημα γλυπτά όλων των εποχών, από το προϊστορικό έως το μεταμοντέρνο.

1. Αφροδίτη του Willendorf, 28,000–25,000 π.Χ.

Το μικροσκοπικό ειδώλιο που μετρά μόλις 4 ίντσες στο ύψος ανακαλύφθηκε στην Αυστρία το 1908. Κανείς δεν ξέρει σε ποια λειτουργία εξυπηρετούσε, αλλά οι εικασίες κυμαίνονταν από τη θεά της γονιμότητας μέχρι την ενίσχυση του αυνανισμού. Μερικοί μελετητές υποδεικνύουν ότι μπορεί να ήταν αυτοπροσωπογραφία από γυναίκα. Είναι το πιο διάσημο από πολλά τέτοια αντικείμενα που χρονολογούνται από την Παλαιά Εποχή του Λίθιου.

Φωτογραφία: Μουσείο Naturhistorisches Courtesy

2. Προτομή της Νεφερτίτης, 1345 π.Χ.

Αυτό το πορτρέτο είναι ένα σύμβολο της γυναικείας ομορφιάς από τότε που πρωτοανακαλύφθηκε το 1912 μέσα στα ερείπια της Amarna, πρωτεύουσα που χτίστηκε από τον πιο αμφιλεγόμενο Φαραώ της αρχαίας αιγυπτιακής ιστορίας: τον Akhenaten. Ανεβαίνοντας στο θρόνο ως Αμενχοτέπ IV, ο Akhenaten άλλαξε το όνομά του ως μέρος της απόφασής του να ανατρέψει το καθιερωμένο πάνθεο των Αιγυπτίων θεών για να ξεκινήσει τη δική του θρησκεία: Μια μονοθεϊστική λατρεία αφιερωμένη στον θεό ήλιο Ατέν, ο οποίος εκπροσωπήθηκε ως αφηρημένος δίσκος σε γλυπτά και τις τοιχογραφίες. Η ζωή της βασίλισσας του, Νεφερτίτι, είναι κάτι μυστηριώδες: Θεωρείται ότι κυβερνούσε ως Φαραώ για κάποιο χρονικό διάστημα μετά το θάνατο του Αχεντάντ – ή πιο πιθανό, ως συν-αντιβασιλέας του βασιλιά αγοριού Τουταγχαμών. Ορισμένοι Αιγυπτιολόγοι πιστεύουν ότι ήταν στην πραγματικότητα η μητέρα του Τούτ. Σε κάθε περίπτωση, η μούμια της δεν βρέθηκε ποτέ, αν και πρόσφατες έρευνες δείχνουν ότι μπορεί να θάφτηκε στο σφραγισμένο δωμάτιο πίσω από έναν τοίχο στον τάφο του Τούτ. Αυτή η ασβεστολιθική προτομή με επικάλυψη από γυψομάρμαρο θεωρείται ότι είναι το έργο του Thutmose, του γλύπτη του δικαστηρίου του Akhenaten. Διακεκριμένος με ένα φυσιοκρατικό ύφος που ξεφεύγει από τον συνήθως στυλιζαρισμένο χαρακτήρα της αρχαίας αιγυπτιακής τέχνης, η προτομή ανασκάφηκε από μια γερμανική αρχαιολογική ομάδα και μεταφέρθηκε στη Γερμανία. Έχει κατοικήσει στο Βερολίνο ήδη πριν από τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο και θεωρείται πλέον σύμβολο της πόλης.

Φωτογραφία: Ευγενική παραπομπή CC / Wiki Media / Philip Pikart

3. Ο στρατός από τερακόττα, 210-209 π.Χ.

Ανακαλύφθηκε το 1974, ο στρατός από Terracotta (αναμφισβήτητα το πιο εκπληκτικό εύρημα σε όλη την αρχαιολογική ιστορία) είναι μια τεράστια μάζα από πήλινα αγάλματα που ήταν θαμμένα σε τρεις τεράστιες κοιλότητες κοντά στον τάφο του Shi Huang, πρώτου αυτοκράτορα της Κίνας, ο οποίος πέθανε το 210 π.Χ. Με στόχο να τον προστατεύσει στη μετά θάνατον ζωή, ο στρατός πιστεύεται από κάποιες εκτιμήσεις ότι αριθμούσε περισσότερους από 8.000 στρατιώτες μαζί με 670 άλογα και 130 άρματα. Το καθένα είναι μέγεθος πραγματικού ανθρώπου, αν και το πραγματικό ύψος ποικίλει ανάλογα με τη στρατιωτική τάξη. Ενώ τα χαρακτηριστικά για κάθε στρατιώτη φαίνονται μοναδικά, στην πραγματικότητα βασίζονται σε 10 βασικά σχήματα του προσώπου, μέρος μιας διαδικασίας γραμμής συναρμολόγησης στην οποία οι βιοτέχνες χρησιμοποίησαν καλούπια για να κατασκευάσουν τα στοιχεία σε ξεχωριστά τμήματα, πριν τα συνδυάσουν μαζί με πηλό. Οι στρατιώτες ήταν στη συνέχεια εξοπλισμένοι με πραγματικά όπλα (δόρατα, σπαθιά κλπ.) Και βαμμένα φωτεινά χρώματα, αν και με την πάροδο του χρόνου, η χρωστική ουσία ξεθωριάστηκε ή ξεφλούδισε τελείως.

Φωτογραφία: Ευγενική παραχώρηση CC / Wikimedia Commons / Maros M a z

4. Ο Λαοκόν και οι Υιοί του, 2ος π.Χ.

Ίσως το πιο διάσημο γλυπτό της ρωμαϊκής αρχαιότητας, το Σύμπλεγμα του Λαοκόοντος του πρωτοεμφανίστηκαν στη Ρώμη το 1506 και μετακόμισαν στο Βατικανό, όπου κατοικούν μέχρι σήμερα. Ο μύθος του Λαοκόοντα έχει γίνει θέμα χαμένης τραγωδίας του Σοφοκλή. Αναφέρεται επίσης από άλλους Έλληνες συγγραφείς. Ο Λαοκόων θανατώθηκε, μετά την απόπειρά του να αποκαλύψει, με χτύπημα ακοντίου, το τέχνασμα του Δούρειου Ίππου. Τα φίδια που έπνιξαν αυτόν και τους γιους του είχαν σταλεί από τη θεά Αθηνά και η επέμβασή τους ερμηνεύτηκε από τους Τρώες ως απόδειξη της ιερότητας του Δουρείου Ίππου. Αρχικά εγκαταστάθηκε στο παλάτι του αυτοκράτορα Τίτου, αυτή η ζωντανή απεικόνιση, που αποδίδεται σε ένα τρίο ελληνικών γλυπτών από τη Ρόδο, είναι ασυναγώνιστη ως μελέτη του ανθρώπινου πόνου.

Φωτογραφία: Ευγενική παραπομπή CC / Wiki Media / LivioAndronico

5. Ο Δαυίδ, Μιχαήλ Άγγελος, 1501-1504

Ένα από τα πιο σημαντικά έργα σε όλη την ιστορία της τέχνης, ο Δαυίδ του Μιχαήλ Άγγελο είχε τις ρίζες του σε ένα ευρύτερο έργο για να διακοσμήσει τις αντηρίδες του μεγάλου καθεδρικού ναού της Φλωρεντίας, του Ντουόμο, με μια ομάδα στοιχείων που προέρχονται από την Παλαιά Διαθήκη. Ο Δαβίδ ήταν ένας και ξεκίνησε στην πραγματικότητα το 1464 από τον Αγκοστίνο ντι Ντότσιό. Στα επόμενα δύο χρόνια, ο Agostino κατόρθωσε να τραβήξει μέρος από το τεράστιο κομμάτι μαρμάρου που κόπηκε από το διάσημο λατομείο στην Carrara πριν σταματήσει το 1466. (Κανείς δεν ξέρει γιατί). Το μάρμαρο παρέμεινε ανέγγιχτο για τα επόμενα 25 χρόνια, μέχρις ότου ο Michelangelo επανέλαβε τη σκάλισμα του το 1501. Ήταν 26 εκείνη τη στιγμή. Όταν τελείωσε, ο Δαβίδ ζύγιζε έξι τόνους, που σημαίνει ότι δεν μπορούσε να ανυψωθεί στην οροφή του καθεδρικού ναού. Αντίθετα, τέθηκε σε λειτουργία λίγο έξω από την είσοδο του Palazzo Vecchio, του δημαρχείου της Φλωρεντίας. Η φιγούρα, μία από τις καθαρότερες αποστάξεις του ύφους της Υψηλής Αναγέννησης, αγκάλιασε αμέσως το φλωρεντιανό κοινό ως σύμβολο της ίδιας αντίστασης του κράτους ενάντια στις δυνάμεις που κατατάχθηκαν εναντίον του. Το 1873 ο Δαβίδ μεταφέρθηκε στην Accademia Gallery και ένα αντίτυπο του εγκαταστάθηκε στην αρχική του θέση.

Φωτογραφία: Ευγενική παραπομπή CC / Wiki Media / Livioandronico2013

6. Gian Lorenzo Bernini, Έκσταση της Αγίας Τερέζα, 1647-52

Αναγνωρισμένος ως δημιουργός του ύφους του υψηλού ρωμαϊκού μπαρόκ, ο Gian Lorenzo Bernini δημιούργησε αυτό το αριστούργημα για ένα εκκλησάκι στην εκκλησία της Santa Maria della Vittoria. Το Μπαρόκ ήταν άρρηκτα συνδεδεμένο με την Αντιμεταρρύθμιση μέσω της οποίας η Καθολική Εκκλησία προσπάθησε να σταματήσει την παλίρροια του Προτεσταντισμού που επεκτάθηκε σε ολόκληρη την Ευρώπη του 17ου αιώνα. Έργα τέχνης όπως αυτό ήταν μέρος του προγράμματος για να επιβεβαιώσουν το παπικό δόγμα, που εξυπηρετείται εδώ από τη μεγαλοφυία του Bernini για την επίδειξη θρησκευτικών σκηνών με δραματικές αφηγήσεις. Η έκσταση είναι μια υπόθεση: Το θέμα της – η Αγία Τερέζα της Ávila, μια ισπανή μοναχή και μυστικίστρια που έγραψε για τη συνάντησή της με έναν άγγελο – απεικονίζεται ακριβώς όταν ο άγγελος είναι έτοιμος να βάλει ένα βέλος στην καρδιά της. Οι ερωτικές παραλλαγές του Ecstasy είναι αδιαμφισβήτητες, προφανώς στην οργασμική έκφραση της καλόγριας και στο στρεφόμενο ύφασμα που περιβάλλει και τα δύο πρόσωπα. Ένας αρχιτέκτονας όσο και καλλιτέχνης, ο Bernini σχεδίασε επίσης και τη ρύθμιση του παρεκκλησίου σε μάρμαρο, γυψομάρμαρο και βαφή.

Φωτογραφία: Ευγενική παραχώρηση CC / Wiki Media / Alvesgaspar

7. Antonio Canova, Ο Περσέας με το κεφάλι της Medusa, 1804-6

Ο Ιταλός καλλιτέχνης Antonio Canova (1757-1822) θεωρείται ο μεγαλύτερος γλύπτης του 18ου αιώνα. Το έργο του περιέγραψε το νεοκλασικό στυλ, όπως μπορείτε να δείτε στην παράδοση του μαρμάρου του ελληνικού μυθικού ήρωα Περσέα. Ο Κανόβα έκανε δύο εκδοχές του έργου: Ένας κατοικεί στο Βατικανό στη Ρώμη, ενώ ο άλλος βρίσκεται στο Ευρωπαϊκό Δικαστήριο Γλυπτικής του Μητροπολιτικού Μουσείου Τέχνης.

Φωτογραφία: Ευγενική προσφορά Το Metropolitan Museum of Art / Fletcher Fund

8. Auguste Rodin, The Burghers of Calais, 1894–85

Ενώ οι περισσότεροι άνθρωποι συνδέουν τον σπουδαίο Γάλλο γλύπτη Auguste Rodin με το The Thinker, αυτό το σύνολο που θυμίζει ένα περιστατικό κατά τη διάρκεια του Εκατονταετούς Πολέμου (1337-1453) μεταξύ Βρετανίας και Γαλλίας είναι πιο σημαντικό για την ιστορία της γλυπτικής. Πρόκειται να τοποθετηθεί σε ένα πάρκο στην πόλη του Calais (όπου μια μακρά πολιορκία από τους Άγγλους το 1346 πήρε τη ζωή έξι αρχηγών των πόλεων που προσφέρθηκαν να εκτελεστούν με αντάλλαγμα την εξοικονόμηση του πληθυσμού), οι Burghers απέφυγαν τη μορφή που είναι χαρακτηριστική τέτοιων μνημείων: Αντί τα στοιχεία να συσσωρευτούν σε μια πυραμίδα στην κορυφή ενός ψηλού βάθρου, ο Ροντέν συγκέντρωσε τα θέματα του σε μέγεθος ζωτνανού ανθρώπου, απευθείας στο έδαφος, στο ίδιο επίπεδο με τον θεατή. Αυτή η ριζοσπαστική κίνηση προς τον ρεαλισμό έσπασε την ηρωική μεταχείριση που συνήθως αποδίδεται σε τέτοιου είδους υπαίθρια έργα. Με τους Burghers, ο Ροντέν πήρε ένα από τα πρώτα βήματα προς τη σύγχρονη γλυπτική.

Φωτογραφία: Καλλιτεχνικό Μουσείο Τέχνης της Φιλαδέλφειας

9. Πάμπλο Πικάσο, Κιθάρα, 1912

Το 1912, ο Picasso δημιούργησε μια μακέτα από χαρτόνι ενός έργου που θα είχε υπερβολικό αντίκτυπο στην τέχνη του 20ου αιώνα. Επίσης, στη συλλογή του MoMA απεικόνιζε μια κιθάρα, ένα αντικείμενο που συχνά τον απασχόλησε με τη ζωγραφική και το κολάζ, και από πολλές απόψεις, η Guitar μεταβίβασε τις τεχνικές κοπής και επικόλλησης του κολάζ από δύο διαστάσεις σε τρεις. Το έκανε το ίδιο και για τον κυβισμό, συγκεντρώνοντας επίπεδα σχήματα για να δημιουργήσει μια πολύπλευρη μορφή με βάθος και όγκο. Η καινοτομία του Picasso ήταν να αποφύγει το συμβατικό σκάλισμα και τη μοντελοποίηση ενός γλυπτού από μια στερεά μάζα. Αντ ‘αυτού, η κιθάρα ήταν στερεωμένη μαζί σαν δομή. Αυτή η ιδέα θα αντέξει από τον ρωσικό κονστρουκτιβισμό μέχρι τον μινιμαλισμό και πέραν αυτού. Δύο χρόνια μετά την παραγωγή της κιθάρας σε χαρτόνι, ο Picasso δημιούργησε αυτή την έκδοση σε χαρτοκοπτική.

Φωτογραφία: Ευγενική παραχώρηση CC / Flickr / Wally Gobetz

10. Constantin Brancusi, Mlle Pogany, 1913

Γεννημένος στη Ρουμανία, ο Brancusi ήταν ένας από τους σημαντικότερους γλύπτες του μοντερνισμού στις αρχές του 20ου αιώνα – και μάλιστα, ένας από τους σημαντικότερες προσωπικότητες στην ιστορίας της γλυπτικής. Ένα είδος πρωτο-μινιμαλιστή, ο Brancusi πήρε μορφές από τη φύση και τις εξομάλυνε σε αφηρημένες παραστάσεις. Το ύφος του επηρεάστηκε από τη λαϊκή τέχνη της πατρίδας του, η οποία συχνά περιείχε ζωντανά γεωμετρικά μοτίβα και στυλιζαρισμένα μοτίβα. Επίσης, δεν έκανε καμία διάκριση μεταξύ αντικειμένου και βάσης, αντιμετωπίζοντας σε ορισμένες περιπτώσεις ως εναλλάξιμα συστατικά – μια προσέγγιση που αντιπροσώπευε μια κρίσιμη ρίξη με τις γλυπτικές παραδόσεις. Αυτό το έργο είναι ένα πορτρέτο του μοντέλου και του εραστή του, Margit Pogány, ενός σπουδαστή ουγγρικής τέχνης που γνώρισε στο Παρίσι το 1910. Η πρώτη επανάληψη ήταν σκαλισμένη στο μάρμαρο, ακολουθούμενη από ένα αντίγραφο γύψου από το οποίο κατασκευάστηκε αυτό το χάλκινο. Ο ίδιος ο γύψος εκτέθηκε στη Νέα Υόρκη στο θρυλικό οπλοστάσιο του 1913, όπου οι επικριτές τον κοροϊδευσαν και τον κατηγόρησαν. Αλλά ήταν και το πιο αναπαραγόμενο κομμάτι στην παράσταση. Ο Brancusi εργάστηκε σε διάφορες εκδόσεις του Mlle Pogany για περίπου 20 χρόνια.

Φωτογραφία: Ευγενική παραχώρηση CC / Flickr / Steve Guttman NYC

11. Duchamp, Τροχός Ποδηλάτου, 1913

Ο τροχός ποδηλάτου θεωρείται το πρώτο από τους επαναστατικά readymades του Duchamp. Ωστόσο, όταν ολοκλήρωσε το κομμάτι στο στούντιο του στο Παρίσι, δεν είχε καμία ιδέα τι να το ονομάσει. “Είχα την ευτυχή ιδέα να στερεώσω έναν τροχό ποδηλάτου σε ένα σκαμνί της κουζίνας και να το παρακολουθήσω να γυρίσει”, λέει αργότερα ο Duchamp. Χρειάστηκε ένα ταξίδι στη Νέα Υόρκη το 1915, και η έκθεση του στην τεράστια παραγωγή εργοστασιακών αγαθών της πόλης, για να μπορέσει ο Duchamp να καταλήξει στον έτοιμο όρο. Το πιο σημαντικό: άρχισε να βλέπει ότι η τέχνη με παραδοσιακό, χειροποίητο τρόπο φαινόταν άσκοπη στη βιομηχανική εποχή. Γιατί να ασχοληθείτε, έθεσε, όταν τα ευρέως διαθέσιμα κατασκευασμένα αντικείμενα θα μπορούσαν να κάνουν τη δουλειά. Για τον Duchamp, η ιδέα πίσω από το έργο τέχνης ήταν πιο σημαντική από ό, τι έγινε. Αυτή η ιδέα – ίσως το πρώτο πραγματικό παράδειγμα της Εννοιολογικής Τέχνης – θα μετατρέψει τελείως την ιστορία της τέχνης προς τα εμπρός. Όπως ένα συνηθισμένο οικιακό αντικείμενο, ωστόσο, ο αρχικός τροχός ποδηλάτου δεν επιβίωσε: αυτή η έκδοση είναι στην πραγματικότητα ένα αντίγραφο που χρονολογείται από το 1951.

Φωτογραφία: Ευγενική προσφορά Το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης

12. Andy Warhol, Brillo Box (Soap Pads), 1964

Το Brillo Box είναι ίσως το πιο γνωστό από μια σειρά από γλυπτά έργα που ο Warhol δημιούργησε στα μέσα της δεκαετίας του ’60, τα οποία ανέδειξαν αποτελεσματικά την έρευνά του για την ποπ κουλτούρα σε τρεις διαστάσεις. Αλήθεια για το όνομα που είχε δώσει ο Γουόρχολ στο εργαστήριό του – το Εργοστάσιο – ο καλλιτέχνης προσέλαβε ένα ξυλουργό για να εργαστεί ένα είδος γραμμής συναρμολόγησης, καρφωτώντας μαζί ξύλινα κουτιά με τη μορφή χαρτοκιβωτίων για διάφορα προϊόντα, συμπεριλαμβανομένου του Heinz Ketchup, του Corn Flakes και της Campbell’s Soup και σαπούνι Brillo. Στη συνέχεια ζωγράφισε σε κάθε κουτί ένα χρώμα που ταιριάζει με το πρωτότυπο (λευκό στην περίπτωση του Brillo) πριν προσθέσει το όνομα του προϊόντος και το λογότυπο σε μεταξοτυπία. Δημιουργημένα σε πολλαπλάσια, τα κουτιά παρουσιάστηκαν συχνά σε μεγάλες στοίβες, μετατρέποντας ουσιαστικά όποια γκαλερί ήταν μέσα σε μια αποθήκη. Το σχήμα και η σειριακή παραγωγή τους ήταν ίσως ένα νεύμα προς – ή παρωδία – του ύστερου μινιμαλιστικού στυλ. Αλλά το πραγματικό σημείο του Brillo Box είναι πως η στενή προσέγγισή του στο πραγματικό υπονομεύει τις καλλιτεχνικές συμβάσεις υποδηλώνοντας ότι δεν υπάρχει πραγματική διαφορά ανάμεσα στα μεταποιημένα προϊόντα και την εργασία από το στούντιο ενός καλλιτέχνη.

Φωτογραφία: Ευγενική παραχώρηση CC / Flickr / Rocor

13. Donald Judd, Untitled (Stack), 1967

Το όνομα του Donald Judd είναι συνώνυμο με την Ελάχιστη Τέχνη, το κίνημα της δεκαετίας του ’60 που αποστασίασε τον ορθολογιστικό στίβο του μοντερνισμού σε γυμνά βασικά στοιχεία. Για τον Judd, η γλυπτική σήμαινε την αρμονική παρουσία της συγκεκριμένης εργασίας στο διάστημα. Αυτή η ιδέα περιγράφηκε από τον όρο “συγκεκριμένο αντικείμενο” και ενώ άλλοι Μινιμαλιστές το αγκάλιασαν, ο Judd έδωσε στην ιδέα την πιο καθαρή του έκφραση υιοθετώντας το κουτί ως μορφή υπογραφής του. Όπως και ο Warhol, τα παρήγαγε ως επαναλαμβανόμενες μονάδες, χρησιμοποιώντας υλικά και μεθόδους δανεισμένες από τη βιομηχανική κατασκευή. Σε αντίθεση με τα κουτάκια σούπας του Warhol και τη Marilyns, η τέχνη του Judd δεν αναφέρεται σε τίποτα έξω από τον εαυτό της. Οι «στοίβες» του είναι από τα πιο γνωστά κομμάτια του. Το καθένα αποτελείται από μια ομάδα πανομοιότυπων αβαθών κιβωτίων κατασκευασμένων από γαλβανισμένο φύλλο μετάλλου, που προεξέχουν από τον τοίχο για να δημιουργήσουν μια στήλη με ομοιόμορφα χωρισμένα στοιχεία. Αλλά ο Judd, ο οποίος ξεκίνησε ως ζωγράφος, ενδιαφέρεται τόσο για το χρώμα όσο και για την υφή όπως φαίνεται εδώ στην πράσινη αυτοκόλλητη βαφή που εφαρμόζεται στην πρόσοψη κάθε κουτιού. Η αλληλεπίδραση του Judd με το χρώμα και το υλικό δίνει στο Untitled (Stack) μια λεπτή κομψότητα που μαλακώνει τον αφηρημένο absolutism του.

Φωτογραφία: Ευγενική παραχώρηση CC / Flickr / Esther Westerveld

14. Yayoi Kusama, Accumulation No 1, 1962

Μια Γιαπωνέζα καλλιτέχνης που εργάζεται με πολλαπλά μέσα, η Kusama ήρθε στη Νέα Υόρκη το 1957 και επέστρεψε στην Ιαπωνία το 1972. Εν τω μεταξύ, καθιερώθηκε ως μια σημαντική προσωπικότητα της γλυπτικής στο κέντρο της πόλης και κινημάτων όπως η Pop Art, ο Μινιμαλισμός και η Performance Art. Ως γυναίκα καλλιτέχνης που συχνά αναφέρεται στη γυναικεία σεξουαλικότητα, ήταν επίσης πρόδρομος της φεμινιστικής τέχνης. Το έργο της Kusama συχνά χαρακτηρίζεται από παραισθησιογόνα σχήματα και επαναλήψεις μορφών, μια ροπή που έχει ρίζες σε ορισμένες ψυχολογικές καταστάσεις – ψευδαισθήσεις, OCD – από τα οποία υποφέρει από την παιδική ηλικία. Όλες αυτές οι πτυχές της τέχνης και της ζωής της Kusuma αντικατοπτρίζονται σε αυτό το έργο, στο οποίο μια απλή καρέκλα με ταπετσαρία είναι ανούσια ενώ σε μια υποσυνείδητη αντίληψη μετατρέπεται σε ένα ξέφρενο ξέσπασμα φαλλικών προεξοχών από το ραμμένο ύφασμα.

Φωτογραφία: Ευγένεια CC / Flickr / C-Monster

15. Eva Hesse, Hang Up, 1966

Όπως και ο Μπενγκλίς, η Έσση ήταν γυναίκα καλλιτέχνης που φιλτράρει το Postminimalism μέσω ενός αδιαμφισβήτητα φεμινιστικού πρίσματος. Μια Εβραία που έφυγε από τη Ναζιστική Γερμανία ως παιδί, διερεύνησε τις οργανικές μορφές, δημιουργώντας κομμάτια σε βιομηχανικό γυαλί, λατέξ και σχοινί που απειλούσαν το δέρμα ή τη σάρκα, τα γεννητικά όργανα και άλλα μέρη του σώματος. Δεδομένου του ιστορικού της, είναι δελεαστικό να βρεθεί ένα υποκείμενο τραύματος ή άγχους της σε έργα όπως αυτό.

Φωτογραφία: Ευγενική παραχώρηση CC / Flickr / Rocor

16. Richard Serra, One Ton Prop (House of Cards), 1969

Μετά από τον Judd και τον Flavin, μια ομάδα καλλιτεχνών αναχώρησε από την αισθητική των καθαρών γραμμών του Μινιμαλισμού. Ως μέρος αυτής της γενιάς Μεταμινιμαλιστών, ο Richard Serra έβαλε την έννοια του συγκεκριμένου αντικειμένου στα στεροειδή, διευρύνοντας κατά πολύ την κλίμακα και το βάρος του και κάνοντας τους νόμους της βαρύτητας αναπόσπαστο μέρος της ιδέας. Δημιούργησε επισφαλείς πράξεις εξισορρόπησης χαλύβδινων ή μολυβδικών πλακών και σωλήνων που ζυγίζουν τόνους, πράγμα που είχε ως αποτέλεσμα να προσδώσει μια αίσθηση κινδύνου στην εργασία. (Και στις δύο περιπτώσεις, οι σκηνοθετητές που εγκατέστησαν κομμάτια του Serra σκοτώθηκαν ή αμαυρώθηκαν όταν η δουλειά κατέρρευσε κατά λάθος.) Τις τελευταίες δεκαετίες, η δουλειά του Serra έχει υιοθετήσει μια καμπυλόγραμμη φινέτσα που την έκανε εξαιρετικά δημοφιλή). Αυτή η κατασκευή εδώ διαθέτει τέσσερις πλάκες μολύβδου που στέκουν μαζί, εκφράζοντας τις ανησυχίες του με βάρβαρη αμεσότητα.

Φωτογραφία: Ευγενική παραχώρηση Το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης, Νέα Υόρκη

17. Robert Smithson, Spiral Jetty, 1970

Μετά τη γενική αντιπολιτισμική τάση κατά τη διάρκεια της δεκαετίας του 1960 και της δεκαετίας του ’70, οι καλλιτέχνες άρχισαν να εκδηλώνονται εναντίον του εμπορικού χαρακτήρα του κόσμου των γκαλερί, αναπτύσσοντας ριζικά νέες μορφές τέχνης όπως οι χωματουργικές εργασίες. Η κορυφαία μορφή του είδους ήταν ο Robert Smithson (1938-1973), ο οποίος, μαζί με καλλιτέχνες όπως ο Michael Heizer, ο Walter De Maria και ο James Turrel, αγωνίστηκαν στις ερήμους των Δυτικών Ηνωμένων Πολιτειών για να δημιουργήσουν μνημειώδη έργα ενήργησαν σε συνεννόηση με το περιβάλλον. Αυτή η συγκεκριμένη προσέγγιση του τόπου, όπως αποκαλείται, συχνά χρησιμοποιούσε υλικά που λαμβάνονται απευθείας από το τοπίο. Τέτοια είναι η περίπτωση του Spiral Jetty του Smithson, η οποία έρχεται στην γεμάτη αλάτι λίμνη της Γιούτα από το Rozel Point στη βορειοανατολική ακτή της λίμνης. Κατασκευασμένο από λάσπη, κρυστάλλους αλατιού και βασάλτη που εκχυλίζονται στο χώρο, το Spiral Jetty μετρά 1,500 με 15,000 πόδια. Ήταν βυθισμένη κάτω από τη λίμνη εδώ και δεκαετίες μέχρις ότου μια ξηρασία στις αρχές της δεκαετίας του 2000 την έφερε στην επιφάνεια και πάλι. Το 2017, η Spiral Jetty ονομάστηκε το επίσημο έργο τέχνης της Γιούτα.

Φωτογραφία: CC / Wikimedia Commons / Soren.harward / Robert Smithson

18. Louise Bourgeois, Spider, 1996

Η υπογραφή της γαλλίδας καλλιτέχνη Louise Bourgeois, στο έργο Spider που δημιουργήθηκε στα μέσα της δεκαετίας του 1990 όταν η Bourgeois (1911-2010) ήταν ήδη στη δεκαετία των ογδόντα. Υπάρχει σε πολλές εκδόσεις ποικίλης κλίμακας, συμπεριλαμβανομένων και ορισμένων που είναι μνημειώδεις. Η Spider εννοείται ως αφιέρωμα στη μητέρα της καλλιτέχνιδος, μιαν αναστηλώτρια ταπετσαρίας (εξ ου και ο υπαινιγμός για την τάση του αραχνοειδούς για την περιστροφή των ιστών).

Ευγενική παραχώρηση CC / Flickr / Pierre Metivier

19. Anish Kapoor, Cloud Gate, 2006

Η Cloud Gate, το δημοφιλές “Φασόλι” για τους κατοίκους του Σικάγο, του Anish Kapoor για το Millennium Park είναι έργο τέχνης και αρχιτεκτονική, παρέχοντας μια έτοιμη καμαροσκέπαστη καμπίνα για τους Κυριακάτικους περιπατητές και άλλους επισκέπτες στο πάρκο . Κατασκευασμένη από καθρέφτη χάλυβα, η ανακλαστικότητα του Cloud Gate και η μεγάλη κλίμακα του το καθιστά το καλύτερο κομμάτι του Kapoor.

Ευγενική παραχώρηση CC / Flickr / Richard Howe

20. Rachel Harrison, Alexander the Great, 2007

Η δουλειά της Rachel Harrison συνδυάζει έναν άψογο φορμαλισμό με μια ικανότητα για την εμφάνιση φαινομενικά αφηρημένων στοιχείων με πολλαπλές έννοιες, συμπεριλαμβανομένων των πολιτικών. Αμφισβητεί έντονα το μνημειακό και το αρσενικό προνόμιο που πηγαίνει μαζί του. Η Harrison δημιουργεί το μεγαλύτερο μέρος των γλυπτών της, στοιβάζοντας και τοποθετώντας μπλοκ ή πλάκες από Styrofoam, πριν τις καλύψει με ένα συνδυασμό τσιμέντου και ζωγραφικής. Το κεράσι στην κορυφή είναι ένα είδος αντικειμένου που βρέθηκε, είτε μόνος είτε σε συνδυασμό με άλλους. Ένα πρωταρχικό παράδειγμα είναι αυτή η μανεκέν επάνω σε μια επιμήκη, ζωγραφισμένη μορφή. Φορά μια κάπα και μια μάσκα Abraham Lincoln προς τα πίσω, το έργο στέλνει το δικό του μήνυμα στη μεγάλη θεωρία της ιστορίας του ανθρώπου με υποκινητή τον κατακτητή του Αρχαίου Κόσμου να στέκεται ψηλά σε έναν κλοουνίστικο βράχο.

Φωτογραφία: Ευγενική παραχώρηση Το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης, Νέα Υόρκη

 

Ελεύθερη απόδοση του άρθρου “The top famous sculptures of all time”